«Новая Сибирь» вспоминает главных действующих лиц театральной программы завершившегося Рождественского фестиваля, важнейшего культурного события 2017 года. 

В ДЕКАБРЕ в Новосибирске прошел XII Международный Рождественский фестиваль искусств. Крупнейший форум культуры за Уралом не только на три недели перекроил арт-карту города, но и оставил множество впечатлений о театре, которого в Новосибирске нет по естественным и не поддающимся логике развития всероссийского театрального процесса причинам. В прошлых номерах газеты «Новая Сибирь» мы уже писали о том, насколько ярким и разнообразным оказался драматический блок фестиваля, программа которого включала как классические постановки, так и различные экспериментальные направления. В этом номере дадим слово главным ньюсмейкерам Рождественского.

Young adult

«Чик. Гудбай, Берлин!» Красноярского драматического театра имени А. С. Пушкина — пример спектакля, рассчитанного прежде всего на подростковую аудиторию. В репертуаре современных региональных театров постановки в условном жанре young adult theatre в большом дефиците. Слишком уж непросто привлечь тинейджеров к добровольному и индивидуальному посещению театра (проще организовать маловразумительные походы классом, но в этом случае котируются только предусмотренные школьной программой хрестоматийные названия), да и возведенные в законодательную догму возрастные ограничения оказывают медвежью услугу. В силу формальных показателей спектакли, реально способные вызвать интерес зрителей 12-16 лет, оказываются под грифом «16+» и проходят мимо основной целевой аудитории.

В основе спектакля «Чик. Гудбай, Берлин!» — один из главных подростковых романов десятилетия за авторством Вольфганга Херрндорфа. В центре повествования оказывается попавший в ситуацию хронического неуспеха подросток: отец слишком занят своими делами, чтобы обращать внимание на проблемы сына, мать планомерно спивается, в школе его в лучшем случае не замечают. Есть полный навороченных гаджетов дом, есть обязанности, есть реноме, но нет элементарного человеческого участия. И только отправившись в несанкционированное путешествие с новым одноклассником-мигрантом, герой открывает себя, узнает, что такое дружба, любовь, свобода и ответственность, знакомится с разными людьми и учится ценить жизнь. Сценическую интерпретацию роуд-муви осуществил хорошо знакомый Новосибирску режиссер Олег Рыбкин. «Этот роман — современная подростковая литература, — рассказал на творческой встрече создатель спектакля. — Это история двух парней, которые едут. По ходу своего движения ребята знакомятся с окружающим миром, с ними что-то происходит. Понятно, что выезжают они одними людьми, а возвращаются другими. Спектакль пользуется, как мне кажется, большим интересом. Многие говорят о том, что такого рода драматургии, которая говорит с подростком на свойственном ему языке, не сюсюкает, а обсуждает достаточно сложные, серьезные темы, у нас очень мало. В романе столкнулись два определенных мира — достаточно обеспеченного по немецким меркам мальчика и совершенно другого интеллектуального круга девочки. Они уходят из комфортного мира существования, видимо, потому что он подавляет их индивидуальность и мешает становиться личностью. Потому что, как известно, это требует противодействия окружающему миру. Здесь тот возраст, когда именно этого хочется. Поэтому появление персонажа Чика — человека из совершенно другой социальной, национальной среды, с какими-то представлениями о свободе — оказывает решающую роль в том, что мы задумываемся к финалу, что же будет дальше с героями, куда дальше их повернет судьба. Но, повторюсь, они уже не будут такими, как прежде».

Театр для социальных изменений

Иное театральное направление представил на фестивале проект Санкт-Петербургского продюсерского центра в сфере современного театра, музыки и кино «КонтАрт»: спектакль «Колино сочинение» в постановке Яны Туминой рассказал о мире особенного ребенка и позволил организаторам развить дискуссию о необходимости построения инклюзивного общества и искусстве как действенном средстве объединения людей и гармонизации пространств.

Социальный театр — понятие условное. Режиссер Борис Павлович, при непосредственном участии которого в прошлом году в Новосибирске прошел первый в истории города фестиваль социальных театров, предлагает такую интерпретацию: «Это театр, который выходит за рамки чистого искусства на территорию задач, лежащих в области реальной жизни, — то есть реальных вопросов и проблем, которые являются болевыми точками общества, социума. Когда искусство с помощью своих уникальных инструментов эти вопросы пытается решить, здесь и начинается социальная составляющая этого театра». Представленный в программе Рождественского фестиваля спектакль «Колино сочинение» — дважды лауреат национальной театральной премии «Золотая маска» и образец реализации проектов в области социального театра, когда серьезная и болезненная для современного российского общества тема находит блестящее художественное воплощение и если и не меняет мир, то точно открывает сердца.

«У режиссера Яны Туминой идея создания спектакля появилась более пяти лет назад, когда ей попала в руки книжка Сергея Голышева с провокативным и броским, на первый взгляд, названием «Мой сын — даун», — рассказала продюсер спектакля Юлия Поцелуева. — Там очень откровенный личный опыт папы Коли Голышева. На тот момент, когда писалась книжка, Коле было шесть лет. Сергей описывал личные переживания, страхи, как ему было непросто растить Колю. Мальчик в раннем возрасте стал сочинять стихи и истории. Стало понятно, что для него это важно, — и Сергей, и мама Коли Галина помогали сыну, стали истории записывать, и так набралось определенное количество материала для публикации. Когда Яна прочла книгу, она получила, как говорят в театре, ожог от того, насколько это сильное произведение, не задумываясь о том, что это ребенок с синдромом Дауна. Дальше она начала общаться с Сергеем, и больше всего ее поразило стихотворение о том, как маленький Коля путешествует к девочке Варе и о том, как они будут жить на прекрасной планете, где Варя живет. Сергей пишет, что в какой-то момент он пошел в детский сад, чтобы узнать, что же это за девочка, и выяснилось, что она сочинена Колей. Эта история легла в основу спектакля. Но основной целью было — снять разделение «социальный — не социальный театр». Потому что мой любимый зрительский отзыв: « В первую очередь это спектакль о человеке». Здесь очень важно, что художественная составляющая в данном случае не меньше, чем социальная».

Театр, который построил Мастер

Впервые участие в драматической программе Рождественского фестиваля принял участие санкт-петербургский театр «Мастерская», основу актерской труппы которого составляет выпуск актерско-режиссерского курса СПбГАТИ под руководством лауреата Государственной премии России, заслуженного деятеля искусств России, профессора Григория Козлова. «Мастерская Козлова — абсолютно замечательное явление, — отметила на творческой встрече театровед Юлия Бухарина. — Хотя мы знаем примеры, когда курсы по окончании обучения не хотели расставаться и образовывали свои самостоятельные театры. И в 2010 году, когда третий выпуск «козлят», как ласково называют студентов Григория Михайловича, организовал свой театр, потом он еще получил здание — это было огромное событие для Петербурга. Здание находится не в центре города, но это никак не повлияло на зрительское внимание, потому что «Мастерская» очень быстро превратилась в такую Мекку, самый любимый театр, особенно у молодежи. Наверное, старое доброе понятие «театр-дом» в течение этих семи лет у многих сейчас ассоциируется в первую очередь с театром Козлова».

В столицу Сибири петербургский театр привез два спектакля — восьмичасовую эпопею «Тихий Дон» и моноспектакль «Записки юного врача». Обретший очередное сценическое воплощение текст Шолохова поразил вовсе не хронометражем, хотя, конечно, это обстоятельство стало серьезным испытанием для неискушенной публики, но неоскудевающей до самого финала режиссерской фантазией и скрупулезной работой с молодыми артистами: юные и абсолютно современные, они играют героев другого века и перевоплощаются в персонажей разных возрастов, однако не стараются замаскировать дистанцию, а выжимают из нее экстракт художественной правды и пытаются попасть в самую сердцевину той жизни, которая была изувечена катастрофой и грозит вернуться, попрать завтрашний день. «Начинается все с ощущений, — рассказывает о своем методе взаимодействия с учениками Григорий Козлов. — Это самое главное, чтобы человек по сцене не ходил как по сцене. Чтобы у него что-то было под ногами, что-то над головой, был малый круг. Не выходил и говорил текст. Хотя в результате все сводится к тому, чтобы говорил. Но в каком направлении… В каждом спектакле должен по-разному. И первый курс — память физических действий и ощущений — очень важная вещь. И наблюдения — это потрясающе, когда ты можешь быть чуть-чуть другим. Если ты наблюдаешь человека — ребенка, взрослого, пожилого, или животного, вырабатывается сразу другой психофизический аппарат. Этим мы занимаемся. Но самое главное, чтобы человек, который вышел на площадку, думать стал. Поэтому для меня слово «артист» шире даже, чем «актер». Артист умеет сочинять собой. Как говорили мои учителя, артист — мастер действия, режиссер — мастер конфликта. «Действие» — слово узкоколейное, бывает, его неправильно понимают. Организовать живую жизнь. Режиссер в какую ипостась направит — это уже обстоятельства. Все человек достает из себя. Есть обстоятельства документальные, обостренные и фантастические. Этими тремя понятиями с первого курса занимаемся. Научить невозможно. Важно желание людей. Они от нас учатся. И мы от них учимся. И друг от друга они учатся, проводя по 24 часа в сутки вместе. Идет взаимоэнергия, особенно если курс актерско-режиссерский».

Если масштабное сценическое полотно родилось из студенческих набросков и этюдов, то моноспектакль «Записки юного врача» сложился из желания артиста Максима Блинова поработать с прозой Михаила Булгакова. Почти год актер работал над инсценировкой текста, затем к созданию спектакля подключился режиссер. Итогом стала камерная, искренняя и жизнеутверждающая история, лишенная стереотипного для булгаковских прочтений мистицизма. Ювелирное исследование отдельной человеческой судьбы, которая не сложилась бы, не окажись вчерашний выпускник медицинской академии на обочине цивилизации, наедине с совестью, волей и профессией. «Нас с Григорием Михайловичем Козловым объединила общая идея, общее желание сделать этот спектакль, — отмечает Максим Блинов. — Так бывает зачастую, что по-новому оживает классический или какой-то другой материал, который берет режиссер, создатель. Процитирую одно высказывание: когда совпадают мудрость автора и страсть режиссера, то получается новое прочтение. То, что мы увидели в этом материале, и есть наше соприкосновение с ним. То, что зритель видит на сцене, — это наше отношение, наша тема с режиссером. Много мрачного и грустного в жизни, а хочется все-таки верить во что-то хорошее, к чему-то стремиться. Есть вещи, ради которых стоит терпеть трудности, и мы надеемся, что спектакль напоминает нам об этом, что для меня ценно. Надеюсь, и для зрителей».

Театр и документ

Сфера документального театра в программе Рождественского фестиваля была представлена спектаклем «Топливо» петербургского Pop-up театра, создателем и идеологом которого является один из ведущих театральных режиссеров России Семен Александровский. В основе постановки документальная пьеса Евгения Казачкова, написанная по итогам многочасовых бесед с Давидом Яном — нашим современником, физиком, известным IT-предпринимателем и основателем компании ABBYY, получившей мировую известность благодаря электронным словарям ABBYY Lingvo и программе распознавания текстов ABBYY FineReader.

«Опыт общения с людьми, которые занимаются наукой, очень зажигательный. Не всегда человек, который о чем-то интересном думает, способен какие-то вещи открывать, вербализировать. С интересным человеком может не получиться разговора. С Давидом Яном повезло, — рассказал на обсуждении спектакля режиссер Семен Александровский. — Он оказался очень коммуникабельным. И драматург взял у него глубинное, длиннющее интервью. Смысл заключался в том, что нужно несколько дней по много часов говорить. Есть у каждого свой лимит того, что мы хотим, чтоб о нас думали. Мы говорим то, как мы хотим выглядеть. А потом в определенный момент эти слова заканчиваются. Тогда человек начинает выговаривать вещи, которые он не заготовил, не запланировал. Такая техника, практика в драматургии, документалистике часто используется».

По поводу преимущества работы с документальным материалом создатель «Топлива» заметил: «У меня есть цитата Михаила Ямпольского, которая всегда сокращает путь: «Никакого искусства не существует, есть разные антропологические практики постижения мира», — рассказал на обсуждении спектакля режиссер Семен Александровский. — То есть мы занимаемся не искусством, а просто театром как антропологической практикой познания мира. Естественно, занятия документальным театром — непосредственная антропология с реальностью. Плод не фантазии художника, а той живой жизни, с которой мы соприкасаемся. Пьеса «Топливо» возникла не на ровном месте. Был проект «Человек.doc», инициированный театром «Практика» Эдуарда Боякова. Мысль заключалась в том, что современный театр часто занимается маргинальными территориями. Про современную драматургию, новую драму ходило такое слово — «чернуха». Естественным образом так сложилось, потому что драма требует проблемной среды, драматурги шли туда, где плохо. И у деятелей театра возник запрос: как найти позитивного героя в сегодняшнем театре? Театру нужен новый герой! Кто он? Ну не принц в трико же! Стали думать, кто сегодня из успешных образованных людей может на это претендовать. Герой — сложное определение, никого нельзя так назвать безусловно. С определенной натяжкой, но искали героев, которые повлияли на реальность. Закономерно, что первый взгляд был на художников. Некоторые выходили на сцену играть сами себя по скомпилированному тексту, где-то играл артист. Это оказалось очень круто, невероятный отклик от зрителей. Нашли новых героев, увидели их, рассмотрели. И решили сделать продолжение. Когда задумали пять лет назад вторую серию про людей, которые занимаются технологиями и медиа, не вышел еще фильм «Социальные сети», не вышли фильмы про Стива Джобса, не было на обложках финансовых или модных журналов IT-шников. В этом сила и магия театра, театр — что-то такое из реальности выхватывает очень точно. Заказали драматургам серию текстов про IT-предпринимателей. И буквально на наших глазах они стали героями как super rock star. Мы попали с текстом «Топливо» в эту перемену вех. А наша задача как театра была понять: что это за люди, меняющие мир, какая философия за ними стоит, какой жизненный путь. И в этом смысле наш проект по-прежнему остается актуальным».

«Изгнание» под занавес

Завершился XII Рождественский фестиваль искусств по традиции предсказуемо. В том смысле, что под занавес организаторы приготовили прославленный, не нуждающийся в представлении коллектив со спектаклем, покорившем как профессионального, так и среднестатистического зрителя. Хэдлайнером нынешнего форума выступил Московский академический театр имени Владимира Маяковского. Спектакль «Изгнание» в постановке главного режиссера «Маяковки» Миндаугаса Карбаускиса завершил драматическую программу форума и познакомил новосибирского зрителя с драматургией Марюса Ивашкявичюса, «литовского Стоппарда», чья пьеса «Русский роман» уже в следующем сезоне появится на сцене молодежного театра «Глобус». Спектакль претендует на премию «Золотая маска-2018» в семи номинациях. Четыре номинанта присутствовали на пресс-конференции, которая состоялась незадолго до начала спектакля.

Герои спектакля — литовцы, мигрировавшие в Англию. Чтобы выжить в чужом обществе и прийти к иллюзорному благополучию, им приходится менять не только имена и социальные маски, но и самое себя. И, разумеется, не всегда этот отрыв от собственных корней и нивелировка человеческого достоинства заканчиваются благополучно. «Пьеса выросла из того, что в конце девяностых — начале двухтысячных и по сей день у нас очень большая эмиграция, — отметил драматург Марюс Ивашкявичюс. — И главным направлением ее была Великобритания. Там люди, чаще всего без образования, получают возможность зарабатывать за тот же труд в три-четыре раза больше, чем на родине. Семь лет назад я получил предложение от одного продюсера поехать в Лондон и попробовать поизучать нашу эмиграцию, и, может быть, что-то из этого сделать. И я поехал. Я знал заранее что-то по этой теме поверхностно. Не сразу, но день за днем уходя куда-то глубже и глубже, для меня это оказалось потрясением. Но уже не было выхода, надо было писать. Пьеса иногда очень парадоксальная, кажется придуманной, но, поверьте, вся она стоит на реальных судьбах живых людей, которые дальше продолжают в этом жить».

Главную роль в «Изгнании» исполнил Вячеслав Ковалев — ныне штатный артист «Маяковки», а в прошлом актер Новосибирского молодежного театра. «Я уволился из театра «Глобус» 31 декабря 2002 года, — констатировал Вячеслав Ковалев — В Новосибирске мы играли спектакль 22 декабря 2017 года. Прошло 15 лет. Есть ли ностальгия? Если я дам волю чувствам, не смогу играть. Я их приберегаю на сам спектакль. Хотя есть, безусловно. И москвичом я не стал, да и не стану…»

Артистам, занятым в спектакле, тема «Изгнания» кажется крайне злободневной. «Мы все сейчас живем в век постмодернизма, когда зверь пробудился: потребительство и прочие мракобесные дела. Это зверь, который не прощает», — отметил Вячеслав Ковалев. «Очень важно сегодня играть актуальный материал, который волнует нас всех, задает вопросы сегодняшнего дня, — присоединился к коллеге актер Иван Кокорин. — Наблюдаешь за залом: студенты, постарше, еще постарше. Удивительно, люди не уходят и смотрят! Все-таки продолжительность спектакля — четыре часа, это много, у всех дела и т. д. Но часто слышишь: на одном дыхании посмотрели. Есть ощущение, что появились зрители, которые специально идут на «Изгнание». Это для нас маленькая победа. Здорово, что люди целенаправленно идут на тот материал, который хотят видеть!» А актриса Анастасия Дьячук призналась, что лично ее этот материал тронул до глубины души: «Для меня материал стал очень близким. Потому что я тоже в эмиграции: уехала из Эстонии в Россию. Я понимаю, что такое быть далеко от Родины, быть никому не нужной в большом городе. Тема спектакля — абсолютно космическая. Что бы ни случилось в жизни, ты приходишь на спектакль, и появляется энергия чудесным образом. От самого текста — он не может оставить равнодушным».

Марина ВЕРЖБИЦКАЯ, «Новая Сибирь»

comments powered by HyperComments